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艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(1)  

2007-03-09 21:15:24|  分类: 视觉博览 |  标签: |举报 |字号 订阅

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艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(1) - 天高.我翔 - 艺术世界

横跨涅瓦河的皇宫桥上面北而立,左前方是有金色尖顶直刺天穹的彼得保罗要塞,右岸则是仿佛绵延不尽的庞大建筑群——国家艾尔米塔日博物馆。在这里,不仅可以浏览各种风格的建筑杰作,遐思罗曼诺夫王朝的兴衰荣辱,而且能欣赏到世界文化艺术的最高成就。
   
  其实,冬宫只是由五座建筑组成的艾尔米塔日博物馆建筑群的核心建筑,它以规模宏大、装饰丰富、气势雄伟成为俄罗斯帝国强大和皇权的象征,被公认为圣彼得堡最耀眼的巴罗克建筑。

  作为皇宫的冬宫,最早于1710~1711年建在涅瓦河边,为荷兰风格的两层建筑。1719~1721年,根据彼得一世的指令,在距原皇宫不远、今天艾尔米塔日剧院的地方修建了第二座冬宫,其形式明显受北欧建筑的影响。

  18世纪中叶,俄罗斯建筑史上真正的巴罗克时代到来,以意大利人瓦托洛米奥·拉斯特雷利为杰出代表的建筑师在彼得堡及其郊外建造了许多经典建筑。除冬宫外,斯莫尔尼修道院、彼得宫的大宫、皇村的叶卡捷林娜宫均是他的大手笔。1716年,拉斯特雷利跟随作为著名雕塑家的父亲应彼得一世之邀来到刚刚兴建的圣彼得堡,从而有幸为施展自己的才华找到了绝好的机遇。1754年,彼得一世的女儿伊丽莎白·彼得罗夫娜女皇聘请拉斯特雷利建造一座新皇宫。然而就在宫殿即将完工之时她撒手西去。翌年即1762年,刚刚即位的彼得三世携妻——不久就推翻夫皇的叶卡捷林娜二世——迁入新落成的冬宫。

  尽管这座建筑庞然巨大,但表面色彩和丰富的雕塑赋予它非同寻常的雅致:浅墨绿色基调配以砂岩黄;无数的白色壁柱排列得疏密有致,不仅使数百米长的建筑丝毫不显单调,而且极富表现力;窗户上的镀金饰框和房顶柱形栏杆上的雕像、装饰花瓶,则从整体上加强了华丽的效果。宫殿呈封闭的长方形,中间形成一个宽大的内院。建筑师从具体情况出发,将每个立面设计成不同的式样。面向涅瓦河的西北面没有明显的凸缘,从河上观,仿佛连绵不断的双层柱廊。面向冬宫广场的西南面为正面,中央被华丽的凸轩分割成三个拱门。

  虽然拉斯特雷利的设计几乎毫无改变地保留至今?熏 然而宫殿内部却历经数次改建,只有富丽堂皇的约旦(主)楼梯和大教堂部分装饰仍属拉斯特雷利的原作。约旦楼梯巴罗克式的戏剧效果充分显示出天才建筑师的丰富想象力,反映了拉斯特雷利的设计特点:整体造型优美,雕刻装饰丰富,色彩绚丽明快,图案精巧奇异。

  1762年叶卡捷林娜二世登基不久,拉斯特雷利即被迫提出辞呈,因为这位建筑师的创作风格不合新女皇的口味。古典主义的代表尤·费尔腾、让·瓦兰-德拉莫特、阿·里纳尔迪等几位欧洲建筑师对宫殿内部继续进行装饰并对原设计做了一系列改变。18世纪70~80年代,伊·斯塔罗夫、乔治·克瓦连吉又对内部做了改建。

  被称为冬宫 “心脏”的格奥尔吉厅(又称大御座厅)由克瓦连吉设计,是冬宫内最完美的装饰之一。克瓦连吉接手这项工程时,拉斯特雷利的设计尚未完全竣工,由于叶卡捷林娜二世认为巴罗克新颖别致的奢华已然过时,与启蒙时代的纯理性思想格格不入,于是御座厅被建成严谨的古典主义形式。然而1837年12月17~19日的大火几乎将冬宫内装饰化为灰烬,万幸的是,所有造型艺术品、器具和其他珍贵财产得以抢救出来,不过,克瓦连吉的杰作未能幸免。当时在位的尼古拉一世下令要全部采用白色大理石重建。产自意大利的卡拉拉大理石赋予大厅非同寻常的庄严感,塑有常胜将军格奥尔吉形象的大理石浮雕庇护着置于其下方的御座。天花板装饰着镀金图案,由16种颜色珍稀木材镶拼的地板具有同样的花纹,形成上下呼应。值得一提的是,沙俄皇室的所有官方事件都与这座气势恢弘的大厅有关。

  彼得厅(又称小御座厅)是为永久纪念俄罗斯帝国的缔造者彼得一世而建的。它由法籍建筑师奥古斯特·蒙费兰于1833年设计,1837年大火后由瓦西里·斯塔索夫依原样重建。厅内带有寓意性构图的《彼得一世与弥涅尔瓦》(罗马神话中的艺术女神,与希腊神话中的雅典娜一样被尊为司战争和代表国家智慧的女神——作者注)画像是这里的主要装饰。这位俄国第一位沙皇的标志物组成部分——“彼得大帝”的花体字、皇冠、双头鹰——装饰着大厅。厅内御座为历史遗宝,木制基座上镶嵌着镀金银,椅背用银线锈着俄国国徽。

  如果说冬宫的主要厅室在1837年的大火后经修复基本再现了初始的建筑风貌,那么面向冬宫广场、海军部大厦和部分涅瓦河的生活区,在19世纪下半叶进行了不止一次的改建后,只有部分保留了最初的样子。其中以孔雀石客厅——用孔雀石装饰的惟一保留完整的生活用厅——的艺术价值最为珍贵。它是尼古拉一世的妻子亚历山大·费奥多罗夫娜皇后的会客厅,由阿·布留洛夫设计。厅内八根立柱和同样数量的壁柱以及两个壁炉均由孔雀石制成,并采用了复杂的“俄罗斯马赛克”技术。鲜绿色的孔雀石与天花板和柱冠上华丽的镀金装饰图案交相辉映,产生了令人叹为观止的艺术效果。1917年11月7日夜,正在这里开会的临时政府的部长们面对攻入冬宫的士兵束手就擒


摘自《世界博览》

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拱型长廊

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Adonis 阿多尼斯
源于希腊神话。阿多尼斯,为希腊美女密拉乱伦所生,一出世就俊美动人。爱神阿芙洛狄特对其一见钟情,把他交给冥后珀耳塞福涅抚养。阿多尼斯长大后,冥后也爱上了他,舍不得让他离开。两位女神互不相让,遂请求主神宙斯裁决。后来,阿多尼斯外出狩猎时被野猪咬死。爱神闻讯痛不欲生,冥后深受感动,特许阿多尼斯的灵魂每年回阳世6个月,与爱神团聚。在艺术造型中,他常被塑造成风度翩翩的美少年,与阿芙洛狄特在一起。现在,Adonis已成为“美男子;美少年”的同义语。

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装饰华丽的穹顶和天顶画。

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华丽的镀金装饰。

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奢华的芭洛克装饰

爱欧尼亚式的柱饰。

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顶棚的装饰。

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科林斯式的柱饰。

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有古波斯雕塑味道。

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看来看去,人类艺术关注的无外乎就是宗教、战争。即使爱情也是两个人之间信仰的战争。战争是满足欲望的手段,而宗教是满足欲望的幌子~~~

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博物馆里的窗帘狠漂亮。

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藏圣彼得堡冬宫博物馆的油画“朱迪思”,大概完成于1504年。朱迪思手持宝剑,脚踩巨人霍洛弗尼斯的头颅。
十八世纪以来,艺术史家一直认为这是拉斐尔的作品,直到十九世纪,莫雷利首次提出这是乔尔乔内的作品,之后,人们普遍接受了莫雷利的说法。看看“卡斯特尔弗朗科的圣母”中的头像和服饰和画面底部两位圣人的腿(屈腿的方式和脚的描绘方式)就能知道莫雷利的根据了。十八世纪时,和更早期的绘画纪录相比,“朱迪斯”一画的边缘明显加大了,就像当时一件版画作品所表现的那样,但到十九世纪中叶又恢复到了原来的尺寸;1893年,又根据木板油画仿作了布上油画,但在头像的处理上,更关注于创造一个完美的椭圆形。事实上,头部和上半身的处理表明乔尔乔内已经研究了威尼斯藏品中的古典雕塑,但他所了解的只是罗马时代的复制品而不是希腊原作,他对古典雕塑的了解靠得是十五世纪那些采用古典比例的油画,比如:皮耶罗·德拉·弗朗西斯科的作品,或者通过十五世纪的弗罗伦萨雕塑,比如:多纳泰罗的著名“圣乔治”。多纳泰罗就在离威尼斯不远的帕多瓦工作,而皮耶罗的艺术风格在十五世纪末就传入了威尼斯,由乔瓦尼·贝里尼继承下来。但是,“朱迪思”一画的下半部分中,服饰复杂地折叠在一起垂挂下来,显得很僵硬,体现出金属般的质感,乔尔乔内的艺术中会出现这种服饰效果,好像是受了北方雕刻的影响,尤其是威尼斯所藏的丢勒的作品。和“摩西受难”一样,“朱迪思”也融合了威尼斯本地艺术和北方艺术的不同特色。
朱迪斯原是一位美丽的犹太寡妇,在她生活的年代,犹太人的生活动荡不安,饱受内忧外患的煎熬。亚述王尼布甲尼撒为了攻克犹太这个顽强的民族,派遣他最得力的大将霍诺芬尼前去摧毁犹太人的城市。霍诺芬尼采取了持久战术,想把犹太人逼上绝路。在万分危急的情况下,犹太城内人心慌乱,有人主张坚持到底、有人主张妥协。朱迪斯虽然是女流之辈,但她行为端庄、乐善好施,一直深受人民爱戴,她痛斥了主张妥协的人,冒险身入敌军,靠自己的美貌和智慧骗取了霍诺芬尼的欢心和信任。趁着宴席的机会,朱迪斯把霍诺芬尼灌醉,斩下了他的首级,连夜逃回犹太城,致使敌军群龙无首,狼狈逃窜,终于保全了自己的家园。这段故事富有强烈的传奇色彩,深受艺术家们欢迎。
乔尔乔内是威尼斯画派成熟时期的代表人物,他原名乔尔乔·巴巴雷里·达·卡斯特佛兰克,乔尔乔内是他的乳名。关于他的生平记载很少,留存于世的作品也极为有限,得以证实仅有《卡斯特佛兰克的圣母》、《暴风雨》、《三个哲学家》、《国王之礼敬基督》等有限的几部;虽然数量少却均堪称稀世精品,而且其中更洋溢着一种神秘的难以琢磨的特色,于是后世称他为:“神秘画家”。
乔尔乔内对女性的裸体及景物的刻画极为见长--细腻中偏重柔美,据说这是他与佛罗伦萨大师达·芬奇切磋的结果。达.芬奇的“远近画法”深深地吸引了他,在他的作品中随处可见对远近景物的精心雕琢。
乔尔乔内与威尼斯画派的另一位大师提香是好友,他们共同分享艺术上的心得,共同在一起创作;提香为早逝的朋友的《睡着的维纳斯》、《田园合奏》做了补笔,并在艺术的道路上走得更远。他们都死于流行威尼斯的鼠疫,乔尔乔内那年刚刚32岁。
乔尔乔内的艺术成功之处在于始终致力于表现一种人与自然和谐的美、一种诗哲的意境,他突破了传统上人物奴役景色的画法,使绘画真正做到了情景交融,人景难分的高妙境界。深禀音乐天分的他,融入作品一种莫可名状的恬淡灵性,呼唤着田园牧歌式的情感回归,这一点是同时代的画家的作品中所不具有的。

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达芬奇密码里说基督教其实是崇尚女权的,这点我比较赞同。抹大拉的玛利亚是耶稣最钟爱的弟子,最后成了他妻子。人类社会的初始状态是母系社会。男人是孩子,需要呵护,不过他们似乎被呵护过了头~~~前些天看了部电影《暴雨将至》,里面著名的语录是“时间不逝,圆圈不圆”。随着时间的流逝,我们会发现跋涉了千里万里,终又回到起点,开始另一段旅程,我们还能选择么?

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大拉是圣经新约中的人物,她原是一个弃邪归正的妓女。因此被教会看作是一位通过仟悔而得"超升"的典型。在天 主教反动时期,教会尽量选择一些圣经中的动人故事,对群众进行宗教欺骗,抹大拉的故事就是其中的一个。
提香围绕这个题材创作了好儿幅作品,受到社会的欢迎。据瓦萨利说,这幅画是其中最美的,看到她的人莫不深受感动。画中的抹大拉的眼晴仰望苍天,眼圈发红,充盈着泪水, 好象正在为自已过去生活的罪孽而深深哀痛着。提香所创造的抹大拉之所以获得成功,并不是因为大师屈从于基督教宣传的旨意,恰恰相反,而是由于他在圣徒的形象里注入了人文主义精神。正如前苏联美术史家柯尔平斯基曾指出的那样:"伟大的现实主义者即使在艺术的反动势力铺张的环境中,也能保持进步的观点,决然地给神秘的宗教题材重作一番解释。"对提香说来,抹大拉这个形象的意义并不在基督教圣徒的冲动的仟悔,并不在于甘美恍惚的宗教狂热,更不在于确信人体的腐朽而认为人的"无形的灵魂。将从肉体的"牢狱"中解脱出来以归于天堂。提香笔下的抹大拉是美丽的,她的精神美和体态美是分不开的。
大师淋漓尽致地表现了抹大拉的美丽丰满而健康的身体,浓密的秀发,随着呼吸起伏着的柔软的胸部。热情的目光流露出人性的隐痛。为了显示抹大拉的全部女性美,大师运用激动的准确笔法;表现出现实的色彩与明暗的相互关系,紧张不安的色调,富有戏剧性的光与影的闪烁,生动有力的造型,明确的形体,塑造了这个充满内心活动的形象。"她的头发未经梳理而披散下来,胸部起伏不已,手的动作显得格外激动,衣衫的褶纹也处在激荡之中;光线在她的美丽头发上柔和地闪烁着,•反映在她那水汪汪的眼珠里和画幅左下角的玻璃器皿上,在深暗的阴影衬托下,充分地塑造了丰满而柔嫩的人体,同时,也构成了画面上的空间感。这是一位充满情感,富有人性和个性特征的艺术形象。
抹大拉这个美丽的形象所面临的紧张的内心冲动,和她所处的变幻莫测的周围环境,证是反映了当时动荡不安的社会生活。在抹大拉背后伸张开去的风景中,深暗的阴影聚集着,暴风雨来临前的乌云遮盖了天空,而在白天行将消逝的 最后惨淡的光线中出现了抹大拉的形象,这种艺术处理手法更加强了这幅作品的社会含意和大师借宗教题材表现人生意义的效果。

The Repentant Magdalene
Titian (Tiziano Vecellio).
Oil on canvas. 119x97 cm
Italy. 1560s
Source of Entry:   Barbarigo Collection, Venice. 1850

Titian turned to the subject of the repentant Mary Magdalene on several occasions, but this version he kept for himself in his studio and then his home, and it was only after the artist's death that it became the property of Cristoforo Barbarigo, to whom it was sold by Titian's son amongst other paintings. It was from the Barbarigo collection that the Repentant Magdalene entered the Hermitage.
According to legend, Mary Magdalene spent many years in the desert atoning for her sins. Renaissance painting has produced few works which can match the emotional force of Titian's depiction of the woman alone, her face tearstained, her gaze soaring upwards to the heavens, her hands pressed to her breast, the perfect image of a troubled soul. The amazingly rich paint surface varies from thick, projecting masses to transparent warm tones which barely cover the priming. Titian signed the painting at the left, just above the crystal vessel.

提香的签名位于左侧(。。。)

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《达娜厄接纳金雨》

取材于希腊神话:阿尔戈斯王阿克里西俄斯占卜预示,说他必死在外孙的手中,这使他很恐惧。为了逃避不幸,阿尔戈斯王专门造了一座铜塔,把未出嫁的女儿达娜厄关在塔内与世隔绝,指派一位老妇人监护她。天神宙斯透过塔窗发现美丽的达那厄,一见倾心,常化为一道金光来与达娜厄相会,为了支走看管她的老妇人,在老妇人的面前变成一阵黄金雨。不久达那厄怀孕生了一位神话中的英雄珀尔修斯。最后老国王仍然没有逃脱死于外孙手下的厄运。画面的构图没有超越入睡维纳斯的基本动态,只是画中女神的动作更加开放,期待的神情更加专注,前景环境更具性感,画家有意将主体人物置于强烈的光照下,那强光正是天神宙斯的化身,从女神的姿态神情看,她此刻正在享受情爱的温存,进入身心极楽境界,她所珍惜的是美好的爱情,无视撒落的金币。画面的背景又是另外一番景色。天空乌云密布,似有雷电交加之势,在黑暗中却又透出一片金光,随之而落的是一阵黄金雨,奇丑可憎的老妇人立即理起围裙,等待金币的降落,那专注贪婪的姿态和神情令人生厌。画家塑造了两个人物,表达了两种不同的思想感情和人生理想追求。达娜厄身处前景光明处,沐浴在爱的金光中,这代表着纯洁、崇高、美好的人生理想;而与爱情无缘的老妇人,则在黑暗中追求金钱。在这种强烈的光明与黑暗、爱情与金钱的对比中,我们可以窥见到画家的内心世界。

提香·韦切利奥,出生在威尼斯北部风景秀丽的山区小镇卡多莱,12岁时父亲带他游历威尼斯,后来提香再次来到威尼斯便进了乔凡尼·贝利尼的工作室学画,从此几乎一生都没有离开过威尼斯。

提香在乔凡尼画室与比他大一岁的乔尔乔内同学,乔尔乔内享乐主义的人生观,开放的思想行为,熟练的绘画技巧以及对色彩超乎常人的敏感和表现力,令提香崇拜得五体投地。乔尔乔内竟成了他心目中的上帝。提香崇拜乔尔乔内,模仿他的绘画风格,以至人们几乎辨别不出作品的作者。他们开始独立接受订画,乔尔乔内接受来的订件,大都交给提香去完成,后来乔尔乔内越来越发现在色彩创造和艺术技巧方面,提香有超过自己的可能,这使他们之间的关系开始冷淡和紧张。从此乔尔乔内更加抑郁寡言,他把这种内心的不安发泄到更加放肆的寻欢作乐中去,使他在33岁风华正茂时,耗尽了精力,在一次鼠疫传染流行时辞别了喧闹的人世。乔尔乔内的早逝,使提香开始了独立的艺术发展。这种艺术风格体现了威尼斯艺术的成熟。他对色彩的性能及其相互关系有着深刻的认识和理解,他用色大胆,色调极其丰富明快、微妙而准确;他的笔触热情奔放,流畅自如,不拘陈规;画面响亮而又和谐,洋溢着生命的活力和雄浑、华贵之美,他被称为西方油画之父。
上帝在创造他的时候既赋予他超人的天才,也给了他常人的弱点。他贪得无厌,为了金钱什么事都干得出来。他在38岁时,获得了威尼斯共和国首席画家的地位,后来又被封为伯爵,是教皇和国王的座上客。有人说他像法国的伏尔泰一样,对权势躬身下拜,在皇室贵族的微笑中享受恩赐;也像伏尔泰一样对宗教抱怀疑态度,和女人在一起时则万般风流。他的这种人格和心理,流露在他的艺术创造中。瓦萨利说,在意大利,没有人能和提香的绘画天才相比,无论是拉斐尔或是达芬奇都赶不上他。
1576年的威尼斯大瘟疫,人们在北部海岸提香的别墅中找到了他,和死亡捉迷藏的游戏结束了,他在99岁时终于向死神屈服了。

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这个忏悔的玛利亚虔诚不足,妖媚有余,有点象传说中的水妖。为达.芬奇的学生贾姆皮特里诺的作品。

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列奥纳多.达.芬奇,(Leonardo Da Vinci 1452-1519)作为文艺复兴时期作卓越的代表人物,他的成就和贡献是多方面的。
达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇——芬奇镇。他是一位天才,他一面热心于艺术创作和理论研究,他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题;另一方面他也同时研究自然科学。他是人类智慧的象征,他怀有神灵般的无限理想,试图重新创造世界的美,量度世界的广大无垠,解释世界的奥秘。可是他只有常人的生命和力量。他的抱负是发现一切、研究一切、创造一切。他的生命是一条没有走完的道路,路上是撒满了崇高的未完成作品的零章碎片,他在临终前心酸地说过:“我一生从未完成一项工作。”。
在31岁那年写信给米兰大公鲁多维柯斯弗查,在信中列举了自己的各种才能,最后他还表示可为大公的父亲塑造一座骑马像,成为世界上前所未有的巨型雕像。大师41岁时完成这一巨作的土制塑像,因没有足够的铜铸造而使巨作终未完成,1499年法军入侵时被毁,否则将成为世界一大奇迹。大公对他的天才和辛勤劳动酬谢不是金币,而是金言玉语,这使芬奇十分不安,大公为了安慰他,请他为米兰格雷契寺院食堂画幅画,这就是《最后的晚餐》。如果说《最后的晚餐》是世界最著名的宗教画,那么芬奇在51岁时自米兰重返佛罗伦萨而作的 《蒙娜丽莎》则无愧为世界上最著名、最伟大的肖像画。这两件誉满全球的作品使达芬奇的名字永垂青史。 达芬奇独特的艺术语言是运用明暗法创造平面形象的立体感。他曾说过:“绘画的最大奇迹,就是使平的画面呈现出凹凸感。”他使用圆球体受光变化的原理,首创明暗转移法(亦称明暗渐进法),即在形象上由明到暗的过渡是连续的,像烟雾一般,没有截然的分界,《蒙娜丽莎》是这种画法的典范之作。瓦萨利认为这种明暗画法是绘画艺术的一个转折点。

The Madonna and Child (The Litta Madonna)
Leonardo da Vinci.
Tempera on canvas. 42x33 cm
Italy. 1490 - 1491
Source of Entry:   Collection of Count Antonio Litta, Milan. 1865
This painting would seem to have been produced in Milan, where the artist moved in 1482. It was one of a number of works to herald the arrival of a new period in art, which was to become known as the High Renaissance. The beautiful woman feeding her child seems to be the epitome of motherhood and motherly love, perceived as perhaps the greatest human value. The composition is simple and balanced, the figures of the Madonna and the Christ child modelled with the finest use of light and shade. Beyond the symmetrical windows lies an endless mountain landscape, recalling the harmony and vastness of all Creation.
There is a preparatory drawing for this canvas in the Louvre.
The painting is also known by the name of its previous owner, Count Antonio Litta, from whom it was acquired in 1865.
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