注册 登录  
 加关注
   显示下一条  |  关闭
温馨提示!由于新浪微博认证机制调整,您的新浪微博帐号绑定已过期,请重新绑定!立即重新绑定新浪微博》  |  关闭

艺术世界

源 于 生 活 。 高 于 生 活

 
 
 

日志

 
 
关于我

本博所有内容及图片,除特别注明出处外,均为原创,欢迎转载,请著名出处和作者。谢谢!!! xiaoling4588@163.com

网易考拉推荐

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3)  

2007-03-09 23:23:50|  分类: 视觉游记 |  标签: |举报 |字号 订阅

  下载LOFTER 我的照片书  |

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

塞巴斯蒂安的故事大家或多或少知道一些。简单地说,在基督教早期受迫害的年代,他是罗马皇帝的近卫队长,因极俊美,皇帝爱上了他,据说甚至许以一半江山。但塞巴斯蒂安虔信基督教,宁可被绑在树上乱箭射死。后来每年的1月20日成了圣塞巴斯蒂安节。

这是着名的殉教故事之一,也是众多绘画的题材。在宗教的标题下,几乎所有的绘画都展示了利箭穿透的健美或俊美的肉体,还有剧烈的痛苦或毁灭的美感。以此为题材的电影,则往往带上同性恋或SM的色彩,如着名的“Lily”和“Sebastian”。

St Sebastian
Renieri, Niccolo (Regnier, Nicolas).
Oil on canvas. 130x100 cm
Italy. Circa 1620
Source of Entry:   via the State Museum Fund from the collection of the Duke of Leuchtenberg, Petrograd. 1923
Regnier (Niccolo Regnieri) was born in France but left for Italy as a young man. In Rome he attached himself to the followers of Caravaggio, and it was during this early period that he produced the Hermitage Saint Sebastian, a subject to which Regnier turned repeatedly. A Roman warrior, Sebastian served in the private guard of the Emperor Diocletian, who sentenced him to be shot with arrows as punishment for his Christian faith (Jacopo da Voragine, The Golden Legend, XXIII). The slender figure of the young martyr is set against a dark, almost black, ground, and whilst being very striking also contains a hint of sentimentality.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

雕刻家:卡諾瓦﹝Antonio Canova, 1757 ~ 1822﹞
十八世紀末期,洛可可的風格頗為流行,但隨著繪畫的演變,新古典主義的風格不久就成為雕刻的主要趨勢,並以希臘、羅馬雕刻作為發展的基礎,其中最著名者的雕刻家為卡諾瓦﹝Antonio Canova﹞。
卡諾瓦來自威尼斯,是新古典主義盛期雕刻的代表。由於當時人們對於古典文物的懷古幽情,對於大理石材的雕刻特別喜好因此他在這時充分發揮了他的才華,雕出很多大理石作品。
卡諾瓦的作品端莊秀雅,大理石材在他的手中發出光輝燦爛的效果,同時展現純淨潔白與風情萬種的本色。卡諾瓦的創作盛期一直延續到十九世紀初期

俄耳甫斯(Orpheus):传说中色雷斯Thracian诗人和音乐家,他的音乐的力量甚至可以打动没有生命的物体,他差一点将他妻子欧律狄刻Eurydice从地狱中成功救出。
Orpheus   
Canova, Antonio
Italy. 1770s
Marble. 140 cm
Source of Entry:   Summer Gardens, St Petersburg. 1866
Canova produced his first commissioned works - a pair of statues showing Orpheus and Eurydice - at the age of just 16 or 17, for his patron, Senator Falier. Placed side by side, they were intended as a group but could also be displayed separately. The Hermitage is an author's copy of the most successful of the two works, Orpheus.
The subject comes from the Antique legend of Eurydice, wife of the singer Orpheus, who died from a snake bite. Orpheus was so cast down that he resolved to bring her back from the Underworld and he set off to Hades to charm the gods with his music. He was so successful that he was permitted to take Eurydice back with him to earth, on the one condition that he not look at her on the way. But Orpheus could not resist looking back to see if she was following him and thus lost her forever.
Canova chose to show the dramatic moment at which, feeling that Eurydice's soul is slipping away, Orpheus clasps his head in despair, not noticing that he has dropped his lyre and is trampling it beneath his feet.
The choice of the most dramatic moment in the story, the tension and dynamism, the complex twist of the figure and the grimace on the face of Orpheus are evidence that the young sculptor was still influenced by the traditions of the late Baroque style.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

《邱比特和塞姬》﹝Perseus with the Head of Medusa﹞這件雕刻作品也是卡諾瓦的代表作之一,雕刻家描述神話中的情節,丘比特和賽姬的傳奇:丘比特的吻使他垂危的愛人復活。這個作品建立在光滑復韻律感的線條、和諧的形象和優美的姿態之上,製造出唯美的氣氛。

Cupid and Psyche   
Canova, Antonio
Italy. 1796
Marble. 137 cm
Source of Entry:   via the State Museum Fund from the Yusupov Collection. 1926

Canova's sculptures were hugely popular at the end of the 18th century, and remain so with the public today. He made two versions of this sculptural group of Cupid, god of Love, and Psyche; one is now in the Louvre, Paris, while the Hermitage version was originally commissioned by Prince Yusupov. Made in 1796, the sculpture once stood in a room in the Yusupov family's country home, Arkhangelskoe, outside Moscow.

The poetic legend of Cupid and Psyche is told by the Roman writer Apuleius. Cupid's mother, the goddess Venus, envious of the beauty of her son's beloved, despatched Psyche into the underworld to fetch a vessel containing the water of youth, forbidding her to open it. Psyche could not resist looking inside the flask and immediately fell into a deep sleep. The kiss of Cupid returned Psyche to life. The composition of this group is based on smooth rhythmic lines, and the light movement of the figures, the graceful gestures and decorative approach make this one of Canova's loveliest sculptures.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

青春女神赫拍(Hebe):
赫拍是宙斯与赫拉的女儿,是个永远年青的青春女神,容貌姣好,泼可爱负责司掌青春。她亦是诸神的斟酒官,在每次宴会中,由她替诸神斟酒。后来她嫁给升上天界的大英雄赫拉克勒斯(Hercules),而斟酒官一职,宙斯从人间找来年青英俊的特洛依(Troy)王子加尼米德(Ganymede)代替她。

Hebe   
Canova, Antonio
Italy. 1800 - 1805
Marble. 158 cm
Source of Entry:   Collection of Empress Josephine, Malmaison. 1815


Hebe is one of the most famous works of Antonio Canova, outstanding Neoclassical sculptor. According to ancient myth, Hebe was the daughter of Zeus and Hera and was the embodiment of youth. As serving-maid to the gods on Mount Olympus, she was responsible for bringing round cups of nectar, the drink of eternal youth and immortality, during feasts.
Canova depicted the goddess flitting swiftly and easily across the clouds, hardly touching them with the toes of her bare feet. The skilfully worked marble creates the illusion of transparent, fluttering drapery, which reinforces the sense of movement. Additional support is provided by the layered clouds which blend in with the heroine's fine drapery, leaving the rest of the sculpture free and creating an impression almost of weightlessness.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

Cleopatra
1630-1640s
Stanzione, Massimo
Cleopatra VII, last Ptolemaic queen of Egypt (69-30 BC), was a colourful figure who married her own brother and co-ruler, and who was later supported against her husband's faction by Julius Caesar. After Caesar's death she was supported by the Roman military commander Mark Antony, whom she married. In the battle for power with the future Roman emperor, Octavian Augustus, she and Mark Antony were defeated at Actium in 31 BC. Octavian planned a triumphal return to Rome with Cleopatra proudly displayed as a captive, to avoid which she killed herself. An asp was brought to her in a basket of fruit and she allowed the poisonous snake to bite her. Images of the dying Cleopatra are often to be found in 17th-century Italian paintings.
Stanzione's painting is highly decorative, with large areas of colour, a heavy golden curtain and the deep cherry drapery setting off the marvellous naked figure of Cleopatra. The heroine reveals a piquant combination of child-like facial features with a magnificent body of classical proportions.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界


艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

伦勃朗(1606—1669)出生于莱顿一个磨坊主的小康人家,曾入过大学,不久捉缀学当了画家,干上了专画肖像的热门职业,并娶了一个富家小姐。妻子富裕的家庭为伦勃朗事业成功的基础。直到1642年妻子去世前,伦勃朗一直是上流社会的肖像画家。此后,他的事业开始衰落,伦勃朗开始陷于债务之中。当伦勃朗1669年去世时,他除了几件旧衣服和画具外,没有留下任何财产。人世沧桑,人情冷暖,给伦勃朗的绘画打上了强烈的生活烙印。
事实上,人生的巨大变迁的确造成了伦勃朗绘画的重大改变。在他生活顺遂的四十岁之前,他的绘画可以分成两类。一类是缺乏独创性然而却有着熟练技巧的人物肖像画 ,如《解剖课》和《造船者》等;另一类是以夸张甚至是粗野的风格创作的神话和宗教画,如《普洛塞耳皮那被抢》和参孙的失明》等。此时的伦勃朗尽管也是荷兰的一位优秀画家甚至也可以称为天才,但却不会是一位有巨大影响和独创性的大师。在他的妻子去世后几年,1644年,伦勃朗生活的每况愈下造成的窘困开始影响其画风的发展。伦勃朗不再画那些平庸的肖像画和一些神秘玄想式的神话题材,他开始愈来愈多的选择那些有着深刻人性的题材,他在宗教题材中注入了父爱、怜悯与饶恕的主题,贫困的生活也改变了他的视线,他把下层普通的穷苦民众画入了他的作品之中。如果说,文艺复兴时拉菲尔的圣母已经成为人世间上流社会的理想化的贵族妇女的话,那么,在伦勃朗的《圣家族》中,圣母已成为一个普通的贫苦人家的农妇,而其家庭,的确也全然是一个简陋而温馨的农民家庭了。此时的伦勃朗以正视现实的态度在下贱粗丑的普通民众身上寄寓了自己的理想。
人世炎凉使得伦勃朗对人的理想也更深入。他的人物画中开始出现一种前所未有的对人物心灵的表现。伦勃朗认真地观察他的表现对象,他认真地表现他们的富于心理透析意味的姿势和人与人间情感交流的微妙关系,以及他们脸上每一个细节所透露出的心灵的悠长意味。伦勃朗的自画像是著名的。年轻的无忧无虑的伦勃朗曾经把自己画成漫画式的美化青年,戏谑般浪子,装扮式的文艺复兴的廷臣。他仔细研究过自己的脸部特征和各种表情、皮肤与头的不同式样,采取各种姿势、穿着各种服装,运用不同的光照,直到贫困饿生活在他的面孔上留下的深刻的印迹。伦勃朗的人物总是给我们透露出复杂的心灵的信息。伦勃朗的绘画有富于情感的丰富色彩他的色彩总是那么深沉、厚重,在一片深棕色的基调中,他谨慎到使用着有限的亮色。他利用织物的华贵的闪光,在明亮的金黄、朱红的点缀中构成一片漂亮的暖调,他在这种调子中又不时穿插些鲜明的蓝、绿等冷色,使其颜色如同宝石一般熠熠生辉。
在伦勃朗的绘画作品中,许多感人的戏剧场面似乎是从黑暗中浮现出来,给人以真实的空间感。《浪子回家》这幅画讲述的是一个著名的寓言故事:一个富人有两个儿子,小儿子花光了父亲的所有财产。后来他一无所有,沦落为一个养猪的人,最后他回到父亲家中乞求父亲的原谅。这是伦勃朗晚年的代表作,也是一幅流传甚广的作品。
伦勃朗于1668年创作了这幅画,1669年10月,他便告别了人世。也许这幅作品是伦勃朗灵魂的告白,岁月的磨砺使这位年迈的画家深切体会到人生的酸甜苦辣。在晚年,他变卖了所有的财产,甚至失去了画室,住在一间简陋的房间里。但是,他有一颗宽厚仁慈的心,因此,他才创作了这样一幅寓意深刻的作品。
画中的父亲和儿子占据着仅有的一片光明,我们不能确定,这片光明是否来自阳光,但重要的是,它象征着黑暗世界里人性的光辉。画家表现了父亲一双苍老、粗糙的手,这双手慈爱地扶在儿子的肩上。衣衫褴褛的儿子低头跪在父亲面前,头发刚刚修整过,充满气馁和后悔的神情。
没有人像伦勃朗这样把老人画得如此传神,在这幅画中,交织着慈爱、庄重、悲痛等复杂的情感,画家将这些情感淋漓尽致地表现出来。对儿子的遭遇,父亲是悲哀的;对儿子的平安归来,父亲又是欣慰的。能够再次拥抱儿子,父亲的心中有一种快乐与苦痛交织在一起的情感。
父亲对儿子的拥抱,也是富人对穷人的拥抱。父亲的手上戴着金手镯,而他的儿子却是衣衫褴褛。儿子长途跋涉,脚上穿的鞋已经磨穿了鞋底,粗糙的双脚长满了厚厚的老茧。父亲的表情似乎在说,悲伤和疲惫在自我调节中像潮水一样渐渐消退。
伦勃朗的天才不仅在于他能通过人物的动作表现人物的内心情感,而且在于他能通过短暂的一瞬表现这个人物漫长的一生,通过一个人表现周围的一群人。
也许,伦勃朗对光的使用给人的印象更深。如同他谨慎地使用亮色一样,他也独到地运用明暗。他自由地戏剧性地处理复杂画中的明暗光线,他利用光线来强化画中的主要部分,也让暗部去弱化和消融次要的因素。他这种魔术般的明暗处理构成了他的情节性绘画中强烈的戏剧性色彩,也形成了伦勃朗绘画的重要特色。
伦勃朗是个多才多艺的画家,他画肖像、人物群像、风景,他还画极为精美的腐蚀法铜版画,在荷兰绘画的所有类别中,他都是最重要的人物,无疑,伦勃朗也是影响世界绘画发展的最重要的大师之一。后世的荷兰伟大画家梵高曾面对伦勃朗的画说过,“你知道吗,我只要啃着硬面包在这幅画的前面坐上两个星期,那么即使少活十年也甘心。”这就是伟大的艺术不朽的魅力。
《达娜厄》是伦勃朗在1636年创作的一幅表现女性形象的优秀的作品。
达娜厄的仆人将帘子卷起,以便让达娜厄迎接宙斯的到来。画中的小天使的手腕上锁着链子,象征着达娜厄被囚禁的处境。这幅画再一次将表现的重点放在人物的姿势上,达娜厄抬起戴着珠宝的胳膊。

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

保罗.塞尚(Paul Cezanne,1839-1906)后期印象画派的代表人物;毕生追求表现形式,对运用色彩、造型都有新的创造,被称为“现代绘画之父”。
1839年塞尚出生于普罗旺斯的埃克斯,父亲是个制帽厂主,后来成为银行家。因此塞尚不必为日常的吃喝费心,可以随心所欲的画画。塞尚受过人文科学教育,在故乡埃克斯他学习了学院派绘画基础之后,又到巴黎深造。他在那里吸取了浪漫主义、现实主义以及当时刚刚兴起的印象主义的绘画成就。对于他来说,巴黎和埃克斯是他人生中的两极。在巴黎的时候,他的内心沸腾;在埃克斯的时候,他的创伤个性获得了自由的发展。
塞尚的画具有鲜明的特色。他强调绘画的纯粹性,重视绘画的形式构成。通过绘画,他要在自然表象之下发掘某种简单的形式,同时将眼见的散乱视象构成秩序化的图象。为此,他进行了一系列艺术探索。首先,他强调画中物象的明晰性与坚实感。他认为,倘若画中物象模糊不清,那么便无法寻求画面的构成意味。因此,他反对印象主义那种忽视素描、把物象弄得朦胧不清的绘画语言。他立志要“将印象主义变得象博物馆中的艺术那样坚固而恒久”。于是,他极力追求一种能塑造出鲜明、结实的形体的绘画语言。他作画常以黑色的线勾画物体的轮廊,甚至要将空气、河水、云雾等,都勾画出轮廓来。在他的画中,无论是近景还是远景的物象,在清晰度上都被拉到同一个平面上来。这样处理,既与传统表现手法拉开距离,又为画面构成留下表现的余地。其次,他在创作中排除繁琐的细节描绘,而着力于对物象的简化、概括的处理。他曾说: “要用圆柱体、圆锥体和球体来表现自然。”他的作品中,景物描绘都很简约,而且富于几何意味。有人认为,这是由于他不擅长于精细描绘而采取的做法。然而,即使这种说法是事实,也说明他具有扬长避短的本领,从而在形式构成方面发挥出创造才能。其三,为了画面形式结构,他不惜牺牲客观的真实。他最早摆脱了千百年来西方艺术传统的再现法则对画家的限制。在塞尚画中,经常出现对客观造型的有意歪曲,如透视不准、人物变形等。他无意于再现自然。而他对自然物象的描绘,根本上是为了创造一种形与色构成的韵律。他曾说:“画家作画,至于它是一只苹果还是一张脸孔,对于画家那是一种凭借,为的是一场线与色的演出,别无其他的。”  
塞尚重视绘画的形式美,强调画面视觉要素的构成秩序。这种追求其实在西方古典艺术传统中早已出现。而塞尚始终对古典艺术抱着崇敬之情。他最崇拜法国古典主义画家普桑。他曾说:“我的目标是以自然为对象,画出普桑式的作品。”他力图使自己的画,达到普桑作品中那种绝妙的均衡和完美。他向着这方面,进行异常执着的追求,以致于对传统的再现法则不以为然。他走向极端,脱离了西方艺术的传统。正是如此,他被人们尊奉为“现代绘画之父”。
塞尚曾以一位名叫罗萨•德•米开朗基罗的意大利少年为模特儿,画了四幅角度不同的油画肖像。而这幅取四分之三侧面角度的肖像,是其中最成功和最著名的一幅。在这幅画中,人物的头部倚靠在弯曲的左臂,右臂则随意地垂放在腿上。这种姿势与德国画家丢勒的著名版画《忧郁》中的人物姿势颇为相似。也许,这种姿势本身便带着某种伤感意味。这一姿势在塞尚后来其它一些肖像画中也曾有出现,如:《吸烟的男子》、《坐在头盖骨旁的男孩》、《意大利女孩》等。


The Smoker
Cezanne, Paul.
Oil on canvas. 92.5x73.5 cm
France. Between 1890 and 1892
Source of Entry:   State Museum of New Western Art, Moscow. 1931

One of a whole series of pictures of smokers and card players, this excellent work was painted in the artist's studio. The prototypes for such figures appeared in the paintings of the Old Masters back in the 17th century, but here there is no subject, no narrative interest. Nor is there any sense of a genre, despite the prosaic nature of the motif. The calm, solid pose, the generalised face without any gestures or expression, the monumental figure, all give the image a classical majesty. The integrity of human nature is captured in three-dimensional forms. "Most of all," said Cezanne, "I love the appearance of those who have aged without ever changing their habits." Such is the hero of this work.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

在19世纪中叶,在巴黎近郊有一个极为普通、荒凉的小山村,它有着肥沃的土地,大片的森林,潺潺的流水和各种奇花异草。这个普通的山村就是巴比松村。小山村里生活着一批美术史上鼎鼎有名的大画家,在这里呼吸着农村中大自然的新鲜空气和泥土的芬芳,用画笔描绘这里美丽的自然景色和风土人情,形成了著名的巴比松画派。这是一批在艺术上由创新精神的画家。
巴比松画派的出现是法国19世纪30年代后复杂又严酷的政治斗争在艺术上的一个剪影。大革命失败,王朝复辟,接着又经历了七月革命,政治风云变幻,社会进步思潮低落,人们普遍希望能在精神上寻求一片能安顿心灵的绿洲。而以枫丹白露大森林以及巴比松为代表的农村景象正是他们寻找到的一片最纯洁的土地,没有受到政治空气污染的一片净土。它不仅以写实手法表现自然的外貌,并且致力于探索自然界的内在 生命,力求在作品中表达出画家对自然的真诚感受,以真实的自然风景画创作否定了学院派虚假的历史风景画程式,揭开了19世纪法国声势巨大的现实主义美术运动的序幕。他们厌倦都市活动,信奉“回归自然”。 其成员有 T.卢梭、N.-V.迪亚兹•德拉佩纳、C.特罗容、C.- F.多比尼、C.-E.雅克等,其中卢 梭为其领袖。C.柯罗与 J.-F.米莱与此画派关系密切。巴比松画派的画家们反对学院派画家在室内画风景画,主张走出画室在自然光下对景写生,然后以写生稿为基础,进行风景画创作。他们的创作经验,特别是对景写生,以求获得真实新鲜的感受和使画面色调响亮起来的艺术主张和实践,给欧美风景画家,包括印象主义画家以重要启示。
荷兰风景画的精致、写实的画风,以及英国风景画对景写生,以及色彩鲜明、笔触流畅的创作手法给了这些画家极大的启示。这批画家摆脱了古典主义艺术的虚伪和做作,同时也屏弃了荷兰风景画中的摹仿画风,提出“面对自然,对景写生”的口号,走上了以农村真实景象为描绘题材的独立道路,进入一种全新的境界。
在最早一批的画家中,有被誉为“风景画中的贝多芬”的杜勃莱,有专画橡树“精神气质”的卢梭,有在“画船”上描写河上的天光水色的杜比尼。有专画乡村土地上的牛羊群的特罗扬,以及表现大自然诗意的柯罗和表现农村风情朴素美的米勒。
巴比松画派受到科罗的影响,该派创始人之一是乔治•米歇尔(1768—1843)。这位浪漫派画家的代表作为《塞纳河谷的雷雨》。卢梭才是巴比松画派真正的领袖。此种情况历史上经常发生,一个派别的创始人,不一定是它的真正首脑。巴比松派还包括米勒、迪普雷、迪阿兹、多比尼、特洛扬,迪帕克、香特勒依。
巴比松画派受到十七世纪荷兰画派及英国画家康斯塔伯(John Constable,1776-1837)的启发,作品中有种纯净与自然的风格,追求光线和气氛的极致表现,并直接在户外写生,再将作品带回画室完成,这种忠于表现眼前自然环境的信念与在户外写生的作法,影响到后来的印象主义,成为印象派的先趋,而他们对于自然的热爱与赞颂,更反映出发展中的城市居民对于大自然的向往。

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

奥古斯特.雷诺阿(Auguste Renoir,1841-1919)1841年生于利摩日一个穷裁缝的家里。少年时的雷诺阿便被送到瓷器厂去学习手艺。但画瓷器和画屏风这项工作使他产生了对绘画的兴趣。而后出于对绘画的兴趣,雷诺阿便到美术学校学习绘画,同时又在格莱尔的画室里补习素描。在那里,他结识了克劳德.莫奈(Claude Monet,1840-1926)、巴齐依和阿尔弗莱德.西斯莱(Alfred Sisley,1839-1899),从此便走上印象主义的道路。
对于雷诺阿的所有作品来说,都是具有象征意义的。在他漫长的一生中,雷诺阿曾追随过或多或少符合他的艺术气质的各种不同的风格流派,有时甚至脱离了良好的趣味,但他总是能够重新游出水面。依靠他那取之不竭的创作机智,他不仅善于避开错误,而且还能够从这些流派当中吸取某种同样的艺术的东西,这一点是极其重要的事实。
雷诺阿出身平民,他的性格气质都是接近平民的。他从无高傲的表现,在贝尔拉的酒家里,侍役们像对待同等地位的人那样跟他说话。他对模特儿的选择从不过于挑剔:“我只要有不反光的皮肤就行”,还有就是不要“像上流社会的女士那样涂脂抹粉的”。雷诺阿有着健康的、基本的趣味他在社交场合总是保持着一种沉默寡言、多愁善感的样子,一副阴郁的面孔。可是当雷诺阿画起画来,他的脸便立刻容光焕发,作画时他竟会哼出悦耳歌声。

Girl with a Fan
Renoir, Pierre-Auguste.
Oil on canvas. 65x50 cm
France. 1881
Source of Entry:   State Museum of New Western Art, Moscow. 1930
One result of the Impressionist's approach to painting was that in placing an emphasis on capturing "impressions" they had no need for subjects that reflected status or importance. They might choose a simple landscape with an ordinary haystack, or, as here, take an ordinary Parisian girl as the subject for a portrait. Renoir often painted such girls, with their unaffected femininity and natural poses.
The girl holding the fan is in fact Alphonsine Fournaise, who posed for Renoir on many occasions. She was the daughter of the owner of the La Grenouillere bar, which Renoir also painted. There she was known as "la belle Alphonsine", although her beauty lay not in classically arranged features but in the charm of youth, the vivid colours of her face, the shine of her eyes, just those qualities which Renoir always sought in his subjects. Thus the face is painted more smoothly, and here we can pick out details, while the hands, dress, even the fan are only roughly depicted.

A poster of Girl with a Fan by Pierre Auguste Renoir. The original (1881, France; oil on canvas, 25 1/2 x 19 3/4 in.) came to the Hermitage in 1930 from the State Museum of New Western Art in Moscow. The Girl with a Fan is Alphonsine Fournaise, the daughter of the owner of the La Grenouillere bar. Her beauty is not in her classical features, but in the qualities admired by Renoir - her charming youth, her fresh and lively face, and shining eyes.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

罗丹(1840-1917),法国雕塑艺术家,他在很大程度上以纹理和造型表现他的作品,倾注以巨大的心理影响力,被认为是19世纪和20世纪初最伟大的雕塑艺术家。
罗丹1840年11月12日诞生于巴黎一个平民家庭。父亲是警察局雇员,母亲是女仆。他没有条件上大学深造,学艺术是在免费的工匠学校,也到罗浮宫观摩自学。从小便从事首饰、珠宝和木匠等手艺劳动,成了他日后从事雕塑艺术创作的预备期。24岁才开始正式从事艺术事业,为雕塑家巴里和比莱斯(Ernest Carrier-Belleuse)当助手。期间,创作了第一件名作"伤鼻的人",但没有被沙龙看中。70年代初,在普法战争和巴黎公社起义期间逃离法国,师从比莱斯赴比利时,在那里,与比利时艺术家合作,从事布鲁塞尔交易所的建筑雕塑设计等工作。1875年,罗丹旅游意大利,在那里,文艺复兴时期雕塑家米开朗基罗等人的作品动作和肌肉表现的处理深深感染了他,使他激动不已。
对罗丹来说,艺术的美存在于内在的真实表达,为此,他常常巧妙地背离人体解剖学。它的雕刻作品,无论是青铜雕还是大理石雕,一般采用两种风格:一种是刻意造就粗糙表面和粗旷表面造型的颇有个性的风格;另一种,其特征是抛光的表面和精细的外型。罗丹的思想与作品是极其一致的,充满了忧郁/苦闷、伤感,及对命运的挣扎。他所塑造的人物都是忍辱负重、现实生活的内涵写照,他的艺术力量不是外在的呼喊,而是理性意义的表露,是内心情感与思想的自然爆发。这正是能够启发观众、打动人心的魅力所在。1858至1875年间,罗丹创作了包括"伤鼻的人"在内的一些出色的雕刻作品。但是,他得到认可是在1877年,他依据真实人物塑造的名为"青铜时代"的男子裸体雕塑被沙龙所拒绝,被认为是罗丹用活生生的模特石膏制模而翻铸的,但雕刻家布歇等十分赏识,联名上书,最后才获准展出,获得赞扬。1880年,他的强调表现人类美德为主题的裸体塑像"施洗约翰"展出,进一步提高了罗丹的声望。法国国家收购罗丹的作品,并颁发奖章。
自此罗丹建立了个人工作室,并接受政府定件,题材自定。他便选择了取材但丁"神曲"的"地狱之门"这一与建筑紧密相连的巨大艺术工程,耗去了他后半生的整整37年,至逝世也未完成。结合"地狱之门"完成的"吻"、"思想者"、"亚当"、"夏娃"等获得普遍的赞扬。1886年完成历史纪念雕像"加莱义民"。其后,完成"巴尔扎克"、"雨果"等一系列名作家、艺术家的塑像。1917年11月17日在巴黎附近的缪当去世。

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

吉約曼
Guillaumin, (Jean-Baptiste-)Armand
(1841.2.16,法國 巴黎∼1927.6.26,巴黎)
法國風景畫家和雕刻家。在瑞士學院學習時,與畢沙羅(Camille Pissarro)成為密友,二人曾一起做過油漆百葉窗的工作。吉約曼畫過一幅畫,題為《畢沙羅漆百葉窗》(1868?)。1863年在無名畫家沙龍展出作品,1874年又參加印象派的首次展出。吉約曼較窮困,1872年不得不到橋梁與公路處工作。1892年中彩票,得10萬法郎,從此專心作畫。吉約曼畫過蒙馬特(Montmartre)、默東(Meudon)附近和塞納河岸風景畫,如《路易-腓力橋》(1875,現藏華盛頓特區美國國家畫廊)和《夏朗東港》(The Port at Charenton,1878;現藏巴黎羅浮宮)等。其畫法直率、大膽,有時感情過於強烈,而色彩調和。

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

亨利.卢梭(Henri Theodore Rousseau,1844~1910年),法国卓有成就的伟大画家。生于法国西北部的拉瓦尔市。父亲朱利安.卢梭是马口铁工匠。青年时期他当过军乐队队员,后离开巴黎做了海关官员。1885年在香.埃吕西沙龙展出处女作,1886年《狂欢节之夜》参加独立派展览。此后他平均每年都有5幅以上作品展出。他的代表作有《村中散步》、《税卡》、《战争》、《睡着的吉普赛姑娘》、《我本人.肖像.风景》、《乡村婚礼》、《抱木偶的女孩》、《梦》等等。他用那纯真无瑕的眼睛去观察世界和感受生活的真谛,这使他的画具有强烈而鲜明的个性。
      纵观西方艺术史的权威著作,可以得知亨利.卢梭在西方现代艺术史上的地位并没有得到足够的重视,尽管近几十年来有所改观。他们并没有充分的认识到卢梭对现代艺术的重要影响。赫伯特.里德认为“没有把亨利.卢梭列为西方现代艺术的先驱者之一,理由是他天真的风格无论如何不是一个‘现代的’特性”,但是我们从卢梭的众多的艺术作品中却明确地看出他对现代艺术的深远影响,更重要的是卢梭把绘画从纷繁复杂的物质世界引向了艺术家的精神领域,在想象中创造出一种更高的、升华的现实,一种给现代艺术以深刻影响的感觉方式。所以,我们有充分的理由得出结论:亨利.卢梭是西方现代艺术重要的先驱之一,成为西方现代艺术的先声。
      整个西方现代绘画的发展史,是人们对变化的现实作相应的反应、评价的历史,无论画家的形象语言是怎样的抽象,与现实世界有着多大的差距和偏离,要想脱离与现实的本质关系是不现实的也是不可能的。如果说非具象的形象一旦离开“艺术精神”,就会容易走向矫饰,那么,再现的形象如果饱含着艺术家的真挚的情感,现实世界中的事物,就会在不改变基本形象的情况下,自动成为内在精神的外在符号,构图就不再是对现实世界的机械模仿,而是一个完整的精神实体。卢梭的绘画就是饱含着艺术家本人的真挚情感的艺术形象,毫不例外,这就是一个完整的精神实体。从这方面上看,卢梭的艺术是与康定斯基所说的含有“内在精神”的抽象艺术是不谋而合的,而康定斯基被公认为是现代艺术的先驱。同样,卢梭对现代艺术的影响也是不可忽视的!
      那么卢梭艺术中的哪些因素影响了现代的艺术呢?下面我们先从卢梭绘画中的画面形象说起。卢梭的绘画首先给人的是一种各种事物的清晰感,人物与动物、树叶与花朵、天空与大地、小鸟与云彩都是那样的清晰,要辨析出各个物象之间的区别是十分容易的,可是这样的清晰却产生了一种不合乎逻辑的结果。绝对的清晰反而导致了绝对的神秘。当画家对每一个物象都一视同仁的加以描绘的时候,似乎每一个物象都失去了它自己固有的属性,“它不再是它”,不是被否定就是被夸张,逼真地描绘景物却变成了抽象的符号。这种虽然是真实的物象,但却不是传统古典透视关系下的写实的物象,而是各自独立的、带有梦幻般的物象,它们都在呼唤着自身生命的存在。这是一种内在精神的外化,是一种内在精神的抽象表达。就是这种内在精神的抽象表达预示着抽象主义、超现实主义等20世纪西方现代重要流派的相似的精神和面貌。
      当然,整体造成的非真实的梦幻的气氛,只用形式的清晰是不能完全说明问题的,把自然中的事物同时放入绘画的构图之中,离开色彩的帮助是很难形成一个神秘的世界的。如果说绘画中的形式是为了确立现实世界中各个物体的关系,那么,色彩就是对这个关系做出解释的。卢梭经常将绿色、红色以及黄色用于风景之中,而冷色又往往成为画面的基调,在形式的辅助下,色彩起到了让不平静的因素变得肃静的作用。正如逼真的清晰产生难以想象的神秘一样,物体与环境的静止式的表现反而导致内心的不宁静。事实上,卢梭笔下的形象是儿童式的,他像儿童一样复制自然,至于色彩,画家与印象主义者们十分重视的环境色正好相反,只注重环境的固有色,把树叶、花朵、植物、果实等绘画中存在的事物,也以儿童式的单纯的饱满的固有色去描绘,这样,色彩使本来就不紧凑的形式关系更加拉开了距离。从这些分析中我们还可以发现,卢梭在不自觉中发现了色彩的表现力,卢梭把自己内心的神秘幻想,通过色彩的表现力准确的凝固在画面上了。总之,这种通过绘画的形式和色彩相结合来表现艺术家自己内心的精神幻想特征,成为后来德国表现主义等流派绘画的重要来源。
      另外,卢梭在绘画中不自觉地表现出的美学观念,对现代绘画也产生了重要影响。在卢梭的绘画中,当天空成为画面的主题或占据画面不小位置时,它与前景的物象往往呈现出不可企及的距离,这种不可企及的距离,与他的没有纵深感的道路的描绘形成鲜明的对比,遥远的让他尽可能的遥远,清晰的任其尽可能的清晰,这样现实世界似乎变成了神秘的世界。这就是卢梭的美学观,靠这种美学观卢梭表现了现实世界的神秘,靠这种美学观来组织的画面把我们带进了后来的形而上绘画、超现实主义的神秘的梦境之中。
      欣赏理解卢梭的绘画不仅要理解作品中的物象,更重要的是感受画家的心境。事实上卢梭对现实世界作了根本意义上的变形,画中的物体不再是大自然中的物象,而是由他创造出来的形象,由于这些新的形象主要是由画家的想象力来完成的,也就是说,它们是可视的现实世界经过画家的内心的整理之后的形象,这就使精神现实——对现实的神秘感、天真感和质朴感——通过物质现实将不可视的领域浮现在可视的现实空间之中。这种通过想象对现实世界的物象进行的创作变形,同样成为表现主义绘画的重要借鉴。当然,它仍然符合康定斯基所谓的内在精神的外化。
      总之,卢梭绘画中的世界,是一个令人敬畏的、充满神秘莫测的梦幻之乡,是一个无法用理性来阐释的谜。这个谜通常或是月夜,或是正午,或是某一难以确定的时刻,人与兽在自然世界中突然相遇:狮子与吉普赛女郎,花豹与黑人,隐藏在一片热带森林中向人类窥视。他们周围是强大的足以淹没一切的自然,而它们本身也是自然中的一部分。没有人能解释这种相遇的意义,谁也不知道卢梭的动机。也许他没有什么动机,他只是梦见了浩瀚无垠的异国沙漠和深不可测的热带莽林,还有生活在神话世界中的居民。正是在这些涉及人类存在和自然奥秘的作品中,卢梭展示了生活中最神奇、最隐秘、最难以捉摸的东西,释放出一个幻想型的艺术家的巨大才能。也正是在这一点上,卢梭被认为是第一个使现实弥漫着梦幻气氛的画家,德国的新客观派,尤其是意大利的形而上画派,法国的超现实主义,仅仅是对这种现实的梦幻感的个性化,或在新的刺激下的升华。可见卢梭对20世纪现代艺术发展走向产生了极其重要的影响,成为现代艺术的先行者。
      直到现在我们才明白,当时卢梭走得太远太远,远远超出了他所生活的那个时代,提前进入了新时代。他的构思对当时的人们来说可以说是非常怪异,它的画笔也不合规矩,他的确使当时的很多人感到不快,人们的眼光停留在“现在”,而卢梭却属于未来。可是,在当时的现代画坛中,许多主张变革的领袖人物(如西涅克、毕沙罗、高更、毕加索、阿波利奈尔等)却像哥伦布发现了新大陆一样发现了他。比如,早期的立体主义者一心想要寻找艺术之源,卢梭对于他们,与西班牙洞窟壁画、非洲黑人雕刻、古埃及壁画和希腊陶器一样,具有同等重要的意义。原始与现代,天真与神秘,在这位艺术家稚拙的作品中和谐并存。
      卢梭同其他伟大的艺术先驱一样,对自己的艺术抱有坚定的信心。他坚信人们将来会理解他的艺术。卢梭说过:“我也曾被告知我不属于这个世纪,相信我,我现在不可能改变我通过顽强的实践而获得的方法。”他相信他的作品是伟大的,在他的时代,他的画与任何人的画都不同,在他自己的心中所包含的天真和直率是令我们感到惊奇的。他曾对毕加索说过这样的话:“我们是这个时代的两位伟大的画家,你用埃及风格作画,而我则用现代风格。

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

面对着梵高的画,感觉那勾勒景物的线条是不安流动着的。他画的原野像一片正在涌动的大海,而那不安流动着的线条,正如翻滚而来的海浪,狂飙似的拍击着内心理性冷酷的岩石。即使再冷漠坚硬的人,也会被这不安流动的线条所侵蚀罢?尤其这如海浪般的线条里还带着贫苦,挣扎,永不止息奋斗的盐份。
  梵高所描摩的景物都像舞在半空一般波动着。这种有力的动感不是来自整幅画,而是每一笔每一小块颜料都有无限灵动的姿态。使心能微妙感受到流动在天地间抽象的创造力。如步入历史的隧道,历史只是约略可知,而人也不必步入其中考证,引起兴趣的只是画面带来强烈的视觉冲击所引发的感受与联想。
  这每一幅画必然都有许许多多的故事,它们穿越时光之河,被不同的人所收藏,其中也夹杂着这些画颠簸流离的苦乐辛酸。但这些画的价值并不仅仅只是体现在那些灵动的线条上,而是见证了一颗伟大的心灵为自己思想所做的诠释。
  梵高以超凡的观想,使描摹出的景物能在“现实”与“想象”中挥洒自如地穿梭来回。而现实与想象之间那交叉的一点,正是伟大艺术家所把握的所在。艺术家们都在追求决对的真实,滤过表面真实的颜色,用超脱的眼睛有意无意地改变自然本来的色泽。其实这种绝对往往不是常态,这种决对的真实只是细腻的心多出了种想象的空间,少去了逼人的现实。而梵高的画笔如支快速旋转的舞曲,以七彩的色在画布上轻盈旋动,所勾勒出来的景物也顿时成为七彩的斑点在流动。给视觉造成了种除去直接接触的真实,留下迂回间接的真实。
  走进梵高的世界,仿佛可以从那些抽象的景物所显现出不安流动的线条里,听见他激动而热烈的言语。也许,任何真正燃烧生命而挥发出来的艺术,必然都带有感人的因素。艺术在人生里并不是必然的。在重视物质的现今,也许艺术对人生的作用还没有一碗饭和一杯水来的重要,就如一吹即熄的烛火,微弱的跳动在这个冷漠僵硬的世界里。
  同样的,当人的精神处在无光的黑暗之际,艺术的烛火能照亮一片大的天地。而梵高的画也可在艺术与人生中做多层次意识的转换,超越庸俗真实的直观,成为种雄辩的思维,让心灵在艺术与观想的无限里,发掘深刻之美。

茅屋
这是5月21日凡•高到达奥弗数日之后的习作。圣-雷米时期弯曲的、起伏的线条,在这最末期的作品中,更显得自在阔达,宛如深藏在自然中魅惑的根源,被他的笔尖诱上了画布。
  南法时期的作品中,蓄满学生、煎熬的视线,至此时已有改变,现在的线条像舞台上的音乐,含有律动感。柔软的笔触时而强、时而轻,那种缓急轻重感,变得很自在。"奥弗这地方非常美,那些越来越少的古老茅屋,更美!"在第一封信里,他就表示了如归如里一般的安乐。紫青与藏青、各种黄与黄绿、屋顶的深红色、那些色彩移动,以及同方向的笔触,充分表现出他对自然怀念。

Cottages
Gogh, Vincent van.
Oil on canvas. 59x72 cm
France. 1890
Source of Entry:   State Museum of New Western Art, Moscow. 1948
The painting was executed in Auvers not long before van Gogh's death. He repeated the motif of peasant juts on many occasions: "In my opinion, the most marvellous of all that I know in the sphere of architecture is huts with their roofs of moss-grown straw and a smoky hearth," wrote van Gogh in one of his letters.
The thatched roofs seem to be just as much an organic part of nature as the hills, fields and sky. The hilly relief of the distance allowed the artist to accentuate the dynamics of space, which he reinforced through the use of colour contrasts. The tense, wavy brushstrokes and lines convey the dramatism of the artist's perception of life and the world.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

紫丁香灌木.梵.高
Lilac Bush
Gogh, Vincent van.
Oil on canvas. 73x92 cm
France. 1889
Source of Entry:   State Museum of New Western Art, Moscow. 1930
This marvellous work was painted at Saint-Remy, where the artist was undergoing treatment. Van Gogh depicted a lilac bush in the hospital gardens, the broken, separate brushstrokes and vibrant forms recalling the lessons of Impressionism, yet with a spatial dynamism unknown to the Impressionists. This bush is full of powerful, vivid energy and dramatic expression. The modest natural motif is transformed by the master's temperament and the brilliance of his emotions. Embodied here in this fragment of an overgrown garden we find all of nature's life-giving forces. In rejecting Impressionism, Van Gogh created his own artistic language, expressing the artist's romantic, passionate and deeply dramatic perception of the world.

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

高更.保羅(1848-1903)為法國印象派後期畫家。是西方近代繪畫史勇於追求自我的畫家代表。25歲以前以船員身份,飄洋過海,浪跡天涯。25歲時成家立業後,才開始進入繪畫之世界。並且為藝術創作,而放棄所有,遠赴大溪地。
高更在大溪地前後時期的作品,在表現意涵上有所差別。在前期著重於日常生活的情景及波利尼西亞人的神話和傳說,並且以理想畫的人物造型表現為主。然而,後期則是轉向宗教、政治、社會哲理的方面的思考。
1893年創作的『手捧水果的女人』是高更在大溪地後期的代表性作品之一,在此時他已開始走向對生命的起始和終點的探討,思考著自我,或者說是人類的處境與未來。在畫面上有一婦人手捧著的果實,這是象徵女性孕育生命的天性,但也同時暗示生命的起源。

艺术的宫殿--冬宫博物馆/圣彼德堡(3) - 天高.我翔 - 艺术世界

 

更多图片请登陆我的相册

网址是:http://xiaoling4588.photo.163.com

摄影:天泊

&x6211;&x8981;&x5566;&x514D;&x8D39;&x7EDF;&x8BA1;
  评论这张
 
阅读(2371)| 评论(21)
推荐 转载

历史上的今天

在LOFTER的更多文章

评论

<#--最新日志,群博日志--> <#--推荐日志--> <#--引用记录--> <#--博主推荐--> <#--随机阅读--> <#--首页推荐--> <#--历史上的今天--> <#--被推荐日志--> <#--上一篇,下一篇--> <#-- 热度 --> <#-- 网易新闻广告 --> <#--右边模块结构--> <#--评论模块结构--> <#--引用模块结构--> <#--博主发起的投票-->
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

页脚

网易公司版权所有 ©1997-2017